(1903-1984)

Schwabacher1903年出生于纽约，她的艺术教育始于雕塑。1923年她在雕塑家安娜··亨廷顿(Anna Hyatt Huntington)那里做石雕学徒，1927年放弃雕塑后进入艺术学生联盟马克斯·韦伯(Max Weber)的绘画班学习。那一年她遇到了高尔基（Arshile Gorky）并建立了一生的友谊。

高尔基的超现实主义灵感和以及从无意识中提取的情色形式迷住了Schwabacher，她开始对探索自己的心灵感兴趣。她1928年到1934年住在欧洲,20世纪30年代她开始探索自己的潜意识。在整个50年代，Schwabacher发展了有关女性、分娩和儿童等相关的艺术主题。1951年她的丈夫去世后，焦虑、孤独和分离等主题渗透到了她的作品中。在那些痛苦的岁月里，Schwabacher在绘画中寻找个人创伤、记忆中的经历和对孤独的恐惧。

Schwabacher的作品被包括大都会艺术博物馆、惠特尼美国艺术博物馆、古根海姆博物馆、布鲁克林艺术博物馆和纽约洛克菲勒大学收藏。

与她同时代的抽象表现主义女画家Lee Krasner很像，她的作品一直笼罩在丈夫的阴影中，直到去世。Schwabacher的作品是艺术中性别政治的一个例子，她的作品不断地被归于她作为女人、妻子和母亲的角色，而没有考虑到她用宽松的笔触和大胆的色彩来探索抽象表现主义运动的核心主题——弗洛伊德心理学、梦的状态和无意识。

Schwabacher于1984年11月25日去世。她作品在拍卖市场上很少出现，最高的价格是2020年12月在佳士得拍出的完成于1951年的作品《woman:red sea,dead sea》,不过区区五万六千美元。

(1905-1988)

Perle Fine1905年出生于波士顿，在马萨诸塞州的马尔登长大，她的父母从俄罗斯移民到美国后在那里定居。Fine对艺术的兴趣始于童年时期，高中毕业后，她进入了波士顿实用艺术学院。由于在波士顿接受正规艺术培训的机会有限，她搬到了纽约，在大中央艺术学院(Grand Central School of art)短暂学习，在那里她遇到了自己的丈夫莫里斯·别列佐夫(Maurice Berezov)。此后不久Perle Fine加入了艺术学生联盟(Art Students League)，在20世纪30年代中后期，Fine断断续续地和霍夫曼一起上课，与他的同学路易斯·内维尔森和李·克拉斯纳建立了友谊。

在此期间，Perle Fine对非客观艺术越来越感兴趣，这是霍夫曼还没有开始探索的一种图像创作模式。20世纪40年代初，Perle Fine加入了“美国抽象艺术家”团体，她的先锋美学兴趣得到了支持，Perle Fine第一次进入纽约艺术界是在1943年5月，当时她的两幅画被列入古根海姆美术馆-本世纪艺术(art of This Century)联合举办的青年艺术家春季沙龙。

在这十年中，Perle Fine的曝光率和知名度不断提高，1945年，她的第一个个人展览在威拉德画廊举行。1946年艺术品交易商卡尔·尼伦多夫(Karl Nierendorf)在自己的画廊给了Perle Fine一个位置，并提供了补贴，使她能够全职画画。

1948年Perle Fine加入了贝蒂·帕森斯画廊，该画廊代理了一群强大的抽象表现主义画家，包括波洛克、罗斯科和克莱福德·斯蒂尔。1949年在德·库宁的邀请下，Perle Fine加入了“俱乐部”(Club)，这是一群艺术家经常聚集在一起社交，讨论彼此的作品，思考抽象表现主义的地方。在此期间，除了在贝蒂·帕森斯画廊举办过几次个展外，她还参加了惠特尼美国艺术博物馆、大都会艺术博物馆和非客观绘画博物馆的群展。

20世纪60年代，Perle Fine开始了他的教学生涯，1962年至1973年在纽约亨普斯特德的霍夫斯特拉大学担任副教授。在后期的作品中，Fine的关注点转向了网格，这个系列的作品与阿格尼斯·马丁(Agnes Martin)的作品在视觉上有相似之处，后者是Perle Fine所欣赏的艺术家。Perle Fine在她生命的最后几年遭受阿尔茨海默症的折磨，并于1988年在纽约东汉普顿去世。

在长达50多年的抽象绘画生涯中，在抽象表现主义的“大男子主义氛围”中，Fine克服了任何女性艺术家都会遇到的障碍和限制，她一直认为重要的是画了什么，而不是谁画的。

(1908-1984)

Krasner 嫁给了波洛克，这种关系在很长一段时间内多少掩盖了她的光芒，虽然他们两种风格之间有很多交叉。Krasner 受到乔治·布里奇曼(George Bridgman)和汉斯·霍夫曼(Hans Hofmann)的影响。

Krasner 现在被视为抽象绘画领域的关键过渡性人物，她将20世纪早期的艺术与战后美国的新思想联系起来，她的作品在拍卖会上也常拍出高价。Krasner是为数不多的在现代艺术博物馆举办过回顾展的女性艺术家之一。

作为第一代抽象表现主义画家，Krasner致力于六十年来对绘画和拼贴的新方法不懈探索。她出生在纽约的一个俄罗斯东正教家庭，在纽约接受了正规的艺术教育，包括库珀联盟女子艺术学院(Women’s art School of Cooper Union)、美国国家设计学院(National Academy of Design)和艺术学生联盟(art Students League)。1937年Krasner师从汉斯·霍夫曼(Hans Hofmann)，后者对她成熟、抽象的风格产生了根本性的影响。在20世纪30年代和40年代，她全身心投入纽约艺术界，融入了包括波洛克在内的当代艺术圈，并于1945年与波洛克结婚。尽管在认识波洛克之前，她就已经是一位成名的艺术家了，但她与这位才华横溢却又麻烦不断的画家的关系盖过了她自己的艺术事业。

Krasner是波洛克最重要的支持者，也推动了波洛克的事业，巩固了他作为在世美国最具影响力艺术家的声誉，将他介绍给了德·库宁、克莱门特·格林伯格和佩吉·古根海姆以及其他关键人物。Krasner和波洛克一起住在长岛附近的家中，并创作了一些最引人注目的系列作品，这些作品以浓重的色彩和重复的抽象符号为特征，被认为是她对抽象表现主义最重要的贡献之一。1956年波洛克死于车祸后，Krasner把她的余生都献给了巩固波洛克的遗产。

（1912-2004）

Agnes Martin出生于加拿大，1932年移民到美国，她原本希望成为一名教师，在获得艺术教育学位后，她搬到了新墨西哥州陶斯的沙漠平原，在那里她开始创作抽象绘画，这引起了纽约著名画廊老板贝蒂·帕森斯的注意，她说服这位艺术家加入她的画廊，并于1957年搬到纽约。在那里马丁生活和工作在曼哈顿下城，旁边是一群艺术家——包括罗伯特·印第安纳、埃斯沃斯·凯利和杰克·扬德曼——他们都被该地区低廉的租金、宽敞的阁楼空间和靠近东河的位置所吸引。

在接下来的十年里，Agnes Martin发展出了她标志性的六乘六英尺的油画作品，从一边到另一边用铅笔精心画出的网格覆盖画布，最后涂上一层薄薄的石膏。尽管她经常与其他纽约抽象派画家一起展出，但Agnes Martin专注在追求抽象表现主义和极简主义的系统之外开辟新的领域。她的实践结合了禅宗、佛教和美国先验主义的思想。对她来说绘画是“一个没有对象、没有中断……没有障碍的世界”。

1967年在她事业的巅峰，Agnes Martin面临着新的发展，她的朋友艾德·莱因哈特的突然死亡，以及日益严重的精神疾病使她离开了纽约，回到了陶斯。她放弃了绘画独自追求写作和冥想。1974年她重返画界，作品的风格发生了微妙转变:不再以精致的石墨网格为特征，这些晚期的画作中，Agnes Martin唤起了她在干旱的沙漠中度过余生的温暖感受。尽管她经常被认为是一个极简主义者，但画家认为自己是一个抽象表现主义者。

Agnes Martin的标志性风格是强调线条、网格和色彩极其微妙的感受。特别是在20世纪60年代初她的突破期，她创作了画布上面覆盖着密集、细微、柔和的石墨网格作品。1966年在古根海姆博物馆举办的“系统绘画”展览中，Agnes Martin的网格画被看作极简主义艺术的典范，并悬挂在索尔·勒维特、罗伯特·莱曼和唐纳德·贾德等艺术家的作品中间。尽管形式上类似极简主义，但这些画作在精神上与其他极简主义作品截然不同，保留了艺术家的小瑕疵和明显的痕迹，她回避理智主义，偏爱个人的和精神的东西。她的绘画常常反映出她对东方哲学特别是道家哲学的兴趣。

在搬到新墨西哥州之前，Agnes Martin只用黑色、白色和棕色作画。在她放弃职业生涯并于1967年离开纽约之前的最后一幅作品《喇叭》标志着一个转折点，即单一的矩形演变为矩形的整体网格。在陶斯期间，她在网格中引入了柔和的色彩，颜色在变化的光线中闪闪发光，劳伦斯·阿洛韦(Lawrence Alloway)指出，Agnes Martin属于抽象表现主义风格的第一代，也是20世纪抽象表现主义的主要先驱之一。

(1918-1989)

Elaine de Kooning创作抽象以及静物画、城市风景和肖像画。她的作品受到艺术家德·库宁和阿尔希尔·高尔基(Arshile Gorky)的影响。

她早期的作品包括水彩和静物画，职业生涯的后期，她的作品融合了抽象与神话、原始意象和现实主义。尽管她的作品大多是具象很少是纯粹抽象的，但她的肖像画风经常被人注意到。在她的一生中创作了各种各样的作品，包括雕塑、蚀刻画和受洞穴壁画启发的作品，所有这些都影响了她的许多绘画作品。

她的作品呈现了绘画与素描、表面与轮廓、笔触与线条、色彩与光线、透明与不透明的结合。当被问及她的风格时，她说:“我对性格比对风格更感兴趣，性格来自于作品，风格强加于作品上，风格是一座监狱。”她的作品曾在沃克艺术中心、芝加哥艺术学院、赫什霍恩博物馆和雕塑花园展出，并被现代艺术博物馆、古根海姆博物馆、大都会艺术博物馆、洛杉矶郡艺术博物馆和华盛顿特区国家肖像画廊收藏。Elaine de Kooning的作品在拍卖市场上常以六位数的价格售出。

Elaine de Kooning将“行动绘画”的思想牢记于心，但她的大部分作品都植根于她所经历过的日常生活的现实。在她的肖像画中，她不像传统肖像画那样热衷于描绘精确的肖像，而是努力捕捉人物的风格，那种能让朋友和熟人立即认出他或她的东西。

(1922-2008)

Grace Hartigan是二十世纪5、60年代充满活力的纽约画派的重要成员，她的朋友圈在艺术创作上经常互相启发，这些人包括波洛克、拉里·里弗斯、海伦·弗兰肯塞勒、伊莱恩·德·库宁和弗兰克·奥哈拉。她的画作被许多主要机构收藏，包括纽约市的现代艺术博物馆。

评论家和历史学家称Hartigan为第二代抽象表现主义画家和波普艺术的先驱，尽管她对这两种分类都不满意。受涂色书、电影和广告的启发，Grace Hartigan创作了色彩浓烈、姿态优美的肖像。她是波洛克和德·库宁的弟子，1950年她被收录在克莱门特·格林伯格和梅耶·夏皮罗的“新人才”(New Talent show)展览中，获得了评论界的早期关注。三年后现代艺术博物馆馆长阿尔弗雷德·巴尔将她的一幅画购入作为博物馆收藏，1958年被《生活》杂志誉为美国最优秀的年轻女画家之一。

商店橱窗和橱窗里的陈列是她作品中反复出现的主题。Grace Hartigan有过两次失败的婚姻，受到格兰德街附近众多新娘商店橱窗的启发，开始画一群穿着新娘礼服的模特。

Grace Hartigan虽然是抽象表现主义画家，但她从未完全打破具象的传统。正是诗人弗兰克·奥哈拉(Frank O 'Hara)在诗歌中融合了所谓的“高雅艺术”和“低等艺术”，启发她在作品中使用更多日常生活中的比喻和形象。

这些作品通常被认为是波普艺术的先驱——艺术家本人其实并不喜欢波普艺术。比起波普的大规模生产、广告和消费主义美学，她更喜欢由艺术家产生的独特的、个人化的作品。Grace Hartigan解释说:“我宁愿成为我讨厌的运动的先驱，也不愿成为我喜欢的运动的第二代。

(1925-1992)

Joan Mitchell1925年出生于芝加哥，是第二代抽象表现主义的代表，也是那个时代少有的能与她的男性同辈获得同等赞誉的女性艺术家代表。 很小的时候，Mitchell就表现出对绘画、艺术和诗歌的兴趣和热爱，她的母亲是一位诗人、作家和编辑，这激发了她毕生对诗歌的兴趣。她的父亲是一位成功的医生，经常带她去芝加哥艺术学院和其他博物馆。

Joan Mitchell是被邀请加入The Club的为数不多的女性之一。The Club位于纽约东八街，是抽象表现主义画家每周聚会讨论的地方。1960年至1964年间，随着父亲的去世和母亲的癌症诊断，她的生活发生了变化，作品风格也发生了变化，画家将她这一时期的作品定义为“非常暴力和愤怒的绘画”。

康定斯基的作品第一次给她留下深刻印象是在她童年访问芝加哥艺术学院时，作品把抽象融入到颜色、线条来创造动态的视觉节奏给了她特别的启发，她在自己的作品中努力实现这一点。Joan Mitchell1959年永久移居法国。她最初住在巴黎，然后在1967年定居在Vétheuil，一个巴黎城外的小镇，靠近莫奈在吉维尼的故居。她选择离开纽约市中心这个紧密联系的艺术家社区。

除了绘画，Joan Mitchell还使用彩色蜡笔和制作版画，她尤其擅长线条密集、色彩鲜艳的蜡笔画。1992年也就是她去世的那一年，惠特尼美国艺术博物馆首次举办了她的绘画展览，展出了她在前一年完成的15件大型纸上作品。

尽管她的绘画风格多年来不断演变，但她从20世纪50年代早期就一直致力于抽象主义，直到1992年她的最后创作。她曾说:“如果我能像马蒂斯那样画画，那我就在天堂了。”

尽管Joan Mitchell在评论界一直受到好评，但与她的男性同行相比，她的作品长期以来被低估了。多年来她完全被罗斯科、波洛克、德库宁等人所掩盖。70年代德库宁的作品是30万美元，而她的作品只卖3.5万美元。直到新千年，她的作品才开始达到与她战后偶像地位相称的价格，Joan Mitchell第一次百万美元拍卖发生在2002年惠特尼回顾展之后。

(1928-2011)

Helen Frankenthaler是抽象表现主义第二波浪潮的重要成员，因其对材料的实验而受到称赞。她在画布上发展出了标志性的浸泡染色技术，在没有做过底的画布上涂上稀释的颜料。这种策略创造了生动的、明显流动的色块，并对莫里斯·路易斯和肯尼斯·诺兰等色域画家产生了巨大的影响。

在她的艺术生涯中，Frankenthaler在纽约、洛杉矶、巴黎、旧金山、芝加哥和伦敦等地广泛展出，作品也被芝加哥艺术学院、大都会艺术博物馆、旧金山现代艺术博物馆、泰特美术馆和华盛顿特区的国家美术馆收藏。

作为一个活跃了近60年的画家，Frankenthaler经历了许多阶段和风格的转变。1957年她开始在自己的作品中尝试线性形状和太阳般的圆形形式。在20世纪60年代她的风格转向探索对称的绘画，她开始在画的边缘放置色带，从而将边缘作为构图整体的一部分。随着构图的这种转变，Frankenthaler的风格出现了简化，她开始在白色背景上使用单一的纯色斑点，通常以几何形状的形式。从1963年开始Frankenthaler开始使用丙烯颜料而不是油画颜料，因为它们在涂在画布上时既不透明又清晰。70年代她完全放弃了浸泡染色技术，更喜欢较厚的颜料，这让她可以使用明亮的色彩，几乎让人联想到野兽派。

在这些抽象的作品中，绘画的媒介似乎与画布融合，创造出空气流动的效果，利用这种技术，Frankenthaler继续发展她自己的风格，又影响了后来被称为色域绘画的运动。

(1930-2010)

Deborah Remington结合了抽象表现主义、极简主义和波普艺术的元素，形成了她独特的作品风格。她的作品曾在世界各地的博物馆展出，并展出于丹佛艺术博物馆 2016年开创性的展览“抽象表现主义的女性”(Women of Abstract Expressionism)。Deborah Remington就读于加州美术学院(现在的旧金山艺术学院)，师从克莱福德·斯蒂尔。

Deborah Remington活跃于20世纪50年代的垮掉派时期，是“垮掉派”的一员，在20世纪60年代中期，Remington从她早期作品中的风格转向了硬边抽象，创作了使用颜色渐变式的作品。她使用明亮的红色或蓝色线条在黑色背景下清晰地描绘，她最著名的作品是硬边抽象画。

Deborah Remington曾花了两年时间在日本、东南亚和印度旅行和生活。在日本期间她学习书法，并通过教授英语赚钱。回到美国后她更认真地开始画画，开始在旧金山的迪雷西画廊展出自己的作品，并在1962年、1963年和1965年举办展览。

她在日本的时光和后来搬到纽约学习书法的经历影响了她在20世纪60年代和70年代的开创性作品，这些作品从纯粹的图示转向了带有暗示的幻术。1983年Remington 在加州新港博物馆举办了一个20年回顾展。

（1915-2022）

Carmen Herrera1915年出生于古巴哈瓦那，曾在哈瓦那和巴黎接受教育，学习艺术、艺术史和建筑。1939年她嫁给了美国人杰西·洛温塔尔(Jesse Loewenthal)，搬到了纽约市。在那里她参加了艺术学生联盟的课程，并经常参观惠特尼美国艺术博物馆。从1948年到1953年，Carmen Herrera和洛温塔尔住在巴黎，她在那里与一个国际艺术家团体——Réalités Nouvelles沙龙有了联系。她定期与他们一起展出自己的作品，并发展出一种提炼的几何抽象风格，每幅作品的调色板减少到三种颜色，然后进一步减少到两种颜色。

Carmen Herrera色彩斑斓、棱角分明的几何画作极具魅力，但当她1954年回到纽约时，并没有得到热烈的欢迎，当时抽象表现主义仍占统治地位。作为一名女性和移民，Carmen Herrera在艺术界面临着严重的歧视，然而她坚持了下来，并在接下来的60年里继续画画，只是很少公开展出她的作品。

在101岁的时候，Carmen Herrera仍然几乎每天都在她的工作室里工作，她的所有作品都展示了对颜色和形式的严谨而高度复杂的探索。正如她曾经说过的:“我相信我会永远敬畏直线，它的美是我绘画的动力。”自20世纪90年代末以来，Carmen Herrera的作品引起了越来越多的关注，直到2004年她才卖出了自己的第一幅画。

在过去的十年里，现代艺术博物馆、沃克艺术中心、赫什霍恩博物馆和雕塑花园、波士顿美术博物馆和泰特现代美术馆都收藏了这位艺术家的作品。作为一名抽象画家、雕塑家和极简主义者，Carmen Herrera从事艺术创作超过70年。直到最近她才因为开创性的创作而得到认可。

2016年，Carmen Herrera向《卫报》讲述了她在战后作为一名女艺术家的经历，解释她在职业生涯早期遇到的一些障碍，“一切都被男性控制，不只是艺术。”Herrera对平衡和不对称概念的探究是她许多作品的核心。“我追求的是最简单的画面感，”她这样评价自己的作品。Carmen Herrera于2022年在纽约的家中去世，享年106岁。